Dallas, ville-frontière (Stuart Heisler, 1950)

Après la guerre de Sécession, la vengeance d’un officier sudiste dont la famille a été massacrée. Ce n’est que le point de départ d’un western foisonnant. L’intrigue est compliquée, pas assez épurée, elle multiplie les enjeux dramatiques sans se focaliser réellement sur l’un d’entre eux. Gary Cooper, immense, est le principal intérêt du film. Son personnage annonce les héros tourmentés joués par James Stewart dans les westerns d’Anthony Mann.  Comme dans Tulsa sorti l’année précédente, un récit romanesque force les personnages face à l’Histoire en marche à faire des choix moraux. Un bon western de deuxième ordre.

Crime passionnel (Fallen angel, Otto Preminger, 1945)

Dans une petite ville californienne, les tribulations d’un escroc minable en relation avec deux femmes, l’une gironde serveuse et l’autre riche vieille fille.

Film noir à l’intrigue un brin alambiquée, Fallen angel figure parmi les joyaux qu’Otto Preminger a réalisés à la Fox. On y retrouve cette mise en scène unique qui n’a pas son pareil pour faire exister un décor conventionnel (bar, plage…) en deux plans trois mouvements. Le cadrage donne toujours l’impression d’être le cadrage idéal pour cerner l’action, faire ressentir l’atmosphère, les lieux, les états d’âme des personnages en un minimum de temps. Bref, Fallen angel c’est d’abord la suprématie d’un style omniprésent mais jamais ostentatoire. Si Linda Darnell est une actrice un peu trop vulgaire pour incarner une femme censée fasciner tous les hommes qui l’entourent (à la manière de Laura), Dana Andrews est, comme à son habitude, impeccable et Alicia Faye est émouvante dans son rôle de vieille fille qui se met à aimer. Quelques menues réserves sur un scénario manquant d’unité dramatique empêchent Fallen angel de figurer parmi les chefs d’oeuvre de Preminger mais le film n’en reste pas moins superbe.

Le diable par la queue (Philippe de Broca, 1969)

Un truand qui vient de dévaliser une banque sème le trouble dans une famille de nobles désargentés et un brin décadents.

Voici peut-être le chef d’oeuvre de Philippe de Broca. La fantaisie de l’auteur s’épanouit dans une comédie délicieuse et maîtrisée de bout en bout. Le désir sexuel est au centre du film. C’est la frustration entraînée par le déroulement de l’intrigue (les actions à mener pour voler le butin doivent passer avant la bagatelle) qui génère la plupart des gags. Certains passages sont dignes de Lubitsch quant à la portée des allusions, quant au niveau de maitrise du double-sens des scènes mais dans le même temps, le film baigne dans une atmosphère de volupté tranquillement désinhibée. Ca commence par la lubricité des personnages féminins. Le généreux décolleté d’une Maria Shell rayonnante, les jambes dénudées de Marthe Keller, les papouilles tendancieuse que se font la mère et la fille distillent un peu d’érotisme en même temps qu’elles participent à un tout d’une merveilleuse sensualité. La nature ensoleillée, les couleurs éclatantes, les pastiches baroques de Delerue, la jeunesse retrouvées des vieilles gloires Madeleine Renaud et Yves Montand…tout concourt à faire de ce film un plaisir de tous les instants. Ainsi des quelques digressions: les valses à l’arrivée au château, la famille qui cueille des fleurs sur le chemin de la messe…Ces séquences inutiles à une intrigue pourtant particulièrement bien huilée ne font rien d’autre qu’exalter la joie d’être au monde.

Le diable par la queue est donc un film lumineux, aussi lumineux que les derniers films de Jean Renoir. Mais il contient  également quelques traces de mélancolie qui le rendent encore plus précieux. La prédilection de Philippe de Broca pour les rêveurs en dehors du monde s’exprime ici à travers le personnage de Jeanne. La façon qu’il a de faire ressentir la nostalgie, mais aussi la niaiserie, de ce protagoniste en lui faisant jouer de façon récurrente un même motif au piano -encore un superbe thème de Delerue- est admirable d’évidence. En dépit de son état d’esprit qui l’éloigne des combines de sa famille, Jeanne aura d’ailleurs un rôle décisif dans l’intrigue. De plus, selon une figure de style typique des collaborations de de Broca et Boulanger, les seconds rôles parfaitement croqués révèlent parfois le temps d’une scène une vraie profondeur, une singularité qui est ici généralement liée à leur libido. Exemple: l’éditorialiste réac joué par Claude Piéplu qui régale le spectateur de ses diatribes anti-tout avant de se révèler amoureux déçu. Derrière les délices de la comédie épicurienne, la tristesse n’est donc jamais loin même si toujours mise en scène avec l’élégance coutumière du cinéaste.

Bref, Le diable par la queue révèle la poétique de son auteur sous une forme synthétique, lumineuse et ravissante. C’est  bien cela qu’on a coutume d’appeller « chef d’oeuvre », non ?

Les caprices de Marie (Phillippe de Broca, 1969)

Note dédiée à Arnaud

A Anchevine, petit village français tranquille, la très jolie Marie, choyée par l’ensemble de la communauté, rêve d’évasion. Lorsqu’un milliardaire américain de passage dans la région décide de l’épouser…

Le film est difficilement résumable en deux lignes tant ses enjeux dramatiques sont nombreux. C’est d’ailleurs une de ses limites que de n’en privilégier aucun, que de bifurquer en cours de route sans avoir exploité correctement les pistes esquissées auparavant. La superficialité narrative qui caractérise souvent les films de Philippe de Broca est ici un vrai défaut dans la mesure où elle n’est palliée ni par une intrigue parfaitement huilée (comme dans Le diable par la queue) ni par une mise en scène en état de grâce (comme dans Le roi de coeur et Le diable par la queue). Les personnages se réduisent à des figures, affreusement caricaturales (l’Américain qui court dans tous les sens) ou franchement  sympathiques  (Marielle en maire socialo grande gueule!), mais dont l’épaisseur dépasse rarement celle d’une feuille de papier à cigarettes. D’une façon analogue, plusieurs bonnes idées de gags sont gâchées à cause de la grossièreté du trait comique.  

Pourtant, de Broca permet parfois à un personnage d’aller au-delà de son stéréotype, le temps d’une scène. C’est par exemple Marielle qui, dans la cave à vins, demande à sa fille de bien réfléchir avant d’accepter de se marier tout en rendant hommage à son épouse qui le supporte depuis vingt ans. Les trois personnages principaux sont confrontés à un conflit entre leurs rêves et la réalité. Que ce soit l’instituteur joué par Philippe Noiret incapable d’aborder l’objet de son désir, Marie qui rêve de gloire dans de minables élections de miss ou même l’Américain qui en tombant amoureux laisse tomber son empire, tous auront à surmonter une mélancolie qui les éloigne du monde.  Les caprices de Marie est raté dans la mesure où ce beau sujet n’est pas traité sous une forme évidente et synthétique. Cela n’empêche pas la touche de de Broca et Daniel Boulanger de fonctionner par intermittences, d’esquisser des beautés éparses, telle une charmante célébration de la paresse à la française (pétanque, anisette et parties de pêche qui font oublier ses affaires à l’homme d’affaires américain). Le magicien Delerue, soutenu ici par la grande Cora Vaucaire, aide beaucoup encore une fois.

On a volé la cuisse de Jupiter (Philippe de Broca, 1980)

Le couple improbable mais attachant formé à la fin de Tendre poulet par le professeur de Grec ancien et la commissaire énergique passe sa lune de miel en Grèce. Lune de miel qu’il va voir contrariée par des voleurs de statues antiques…
Cette suite est moins réussie que le film précédent. L’intrigue est faiblarde et il n’y a pas assez de scènes avec Philippe Noiret et Annie Girardot (dont l’alchimie était l’intérêt principal de Tendre poulet) pour compenser ça. L’idée  de confronter les héros à un jeune couple aurait pu être intéressante mais n’est au final qu’à moitié convaincante. Même si Catherine Alric, sosie de la jeune Catherine Deneuve en plus lubrique est pour le moins affriolante, le potentiel comique de ces nouveaux personnages s’essouffle rapidement.  Restent la jolie lumière naturelle de la Grèce ensoleillée et la tendresse nostalgique du regard de l’auteur sur ses héros masculins, de grands enfants charmants,  mais notre amour pour Philippe de Broca nous force à constater qu’On a volé la cuisse de Jupiter est un film franchement moyen.

La poudre d’escampette (Philippe de Broca, 1971)

L’odyssée d’un trafiquant, d’un soldat anglais et de l’épouse d’un consul suisse dans le désert de Libye en 1942.

Une sympathique comédie d’aventures typique de de Broca. Compte tenu du contexte, La poudre d’escampette est un opus relativement grave dans l’oeuvre de son auteur. La violence n’est pas escamotée, ainsi des traces de sang qui restent sur la portière après que le personnage de Michel Piccoli ait eu à tuer un soldat allemand à bout pourtant pour permettre la fuite du trio. Ce film n’est toutefois pas une des réussites majeures de de Broca. Deux raisons à cela. D’abord, un rythme inégal. Après un début enlevé, le film révèle quelques longueurs. Ensuite, certains personnages sont mal écrits. La vraisemblance du caractère de l’Anglais est trop souvent sacrifiée à un comique facile. Je songe à la séquence où il parie la jeep pour obtenir de l’eau de la part de deux bédouins: son idiotie est ici caricaturale et de plus, l’effet comique en résultant est attendu. D’une manière générale, force est de constater que de Broca n’est pas aussi à l’aise qu’un Comencini lorsqu’il s’agit de mettre en scène la tragicomédie qui peut naître de certaines situations chaotiques engendrées par la guerre (La grande pagaille, ce chef d’oeuvre absolu).

Ces quelques faiblesses étant constatées, on peut apprécier les cuisses de Marlène Jobert qui porte le mini-short aussi beau que Marthe Keller la minijupe dans Le diable par la queue, chef d’oeuvre sur lequel nous reviendrons très prochainement. On peut s’émouvoir de la discrète mélancolie qui vient de la conscience qu’ont les équipiers qu’ils ne se reverront pas et qui est probablement le véritable sujet du film. On peut aussi apprécier la poignée de moments de grâce de la mise en scène; voir l’émotion distillée en trois plans à la fin qui révèle la profonde élégance du cinéaste.

Tendre poulet (Philippe de Broca, 1978)

Alors qu’elle enquête sur une série de meurtres de parlementaires, une femme commissaire de police retrouve un amour de jeunesse, devenu professeur gauchiste.

Une comédie sentimentalo-policière ancrée dans son époque qui s’amuse du gauchisme, du féminisme et d’autres mots en -isme. Le ton est léger, il y a les dialogues d’Audiard qui sont une force en même temps qu’une limite du film à cause de leur apparence parfois surécrite. Heureusement, les acteurs les font généralement sonner d’une façon naturelle. On n’est pas dans le bon mot pour le bon mot. L’intrigue policière n’est pas très bien ficelée mais on y  retrouve la gentillesse foncière de de Broca, sa tendresse pour les doux rêveurs mélancoliques fussent-ils des assassins. Tendre poulet fut une commande bouclée en attendant de pouvoir réaliser Le cavaleur mais on y retrouve sans peine la personnalité de son auteur.
Ce qui rend ce film éminemment sympathique, c’est la relation entre Annie Girardot et Philippe Noiret. C’est finalement rare au cinéma les histoires d’amour entre personnes, disons, « mûres ». Du coup, on pense d’emblée  à Sur la route de Madison; ce qui est évidemment très -trop- flatteur pour un film aussi modeste. Il n’en reste pas moins que les deux vedettes forment un très beau couple, un couple si attachant que Philippe de Broca tournera une suite à leurs aventures sur laquelle nous reviendrons très prochainement. Pour finir, un mot sur la musique de Delerue qui insuffle ce qu’il faut de nostalgie à la comédie.

Le roi de coeur (Philippe de Broca, 1966)

A la fin de la première guerre mondiale, un soldat britannique est chargé de désamorcer une bombe cachée dans un village abandonné par toute sa population à l’exception des pensionnaires échappés de l’asile.  

A partir de son sujet, le film aurait pu sombrer dans un éloge bêtement anticonformiste des marginaux mais il n’en est rien parce que le contexte est très particulier. La Première guerre mondiale, c’est tout de même le moment de l’Histoire où l’absurdité des comportements humains atteint un paroxysme sans précédent donc Le roi de coeur est en fait une fable pacifiste plutôt qu’un film sur la folie en général. Avec une triste ironie, de Broca met en relief la bêtise des belligérants.

Cependant, Le roi de coeur est un grand film et en tant que tel, son essence, c’est son style avant d’être son propos. Le style ici, c’est la vivacité élégante d’une narration très visuelle. C’est une pléiade de seconds rôles qui insufflent une humanité décalée à la fable. Ce sont les arabesques felliniennes d’une mise en scène qui sécrète plusieurs instants magiques. Citons pêle-mêle: la sortie des fous dans la ville dévastée, Geneviève Bujold qui rejoint son promis en traversant la rue sur un fil téléphonique et d’une manière générale toutes les digressions ordonnées comme des numéros de cirque. Toutes ces séquences sont nimbées du lyrisme tendre de la musique de Georges Delerue, musique en parfaite symbiose avec la délicate poésie de de Broca, musique qui achève de faire du Roi de coeur un des films français les plus attachants des années 60.

Ce bon vieux Sam (Leo McCarey, 1948)

Sam est le bon samaritain de sa communauté. Il prête sa voiture à ses voisins, il arrête le bus pour que celui-ci attende les personnes âgées, il prête de l’argent aux jeunes couples qui en ont besoin…Un jour, la générosité et le désintéressement de Sam en viennent à nuire à la quiétude de son foyer.

Ce bon vieux Sam est un film où s’affirme pleinement le génie de Leo McCarey, génie qui affirme une vision aussi bien morale qu’esthétique. Le style de McCarey, c’est d’abord un sens particulier de la durée de la séquence. A l’opposé d’une écriture hollywoodienne qui miserait d’abord sur la concision narrative, McCarey étire les séquences afin de pousser leur logique interne à leur paroxysme. Cela permet à ce grand cinéaste, outre d’exploiter à fond sa mécanique comique, de faire exister ses personnages indépendamment du récit, de donner une impression de vie unique. De toute évidence, Ce bon vieux Sam est un apologue chrétien, un grand film sur l’apostolat, une profession de foi en la bonté humaine. Mais les développements altèrent, nuancent et finalement enrichissent ce propos.

Le fonctionnement du film repose sur le principe de frustration. Les actes de Sam deviennent des entraves au bonheur conjugal et génèrent les gags et la dramaturgie. Clairement, le sexe est, autant que l’altruisme, au centre de l’œuvre. Ainsi, une des séquences les plus emblématiques du film est celle où Sam, sur le point de faire l’amour à son épouse, est retardé par une multitude d’évènements qui s’enchaînent avec une précision diabolique. En étirant la séquence à la limite du supportable, le metteur en scène nous  fait éprouver une frustration analogue à celle des personnages à l’écran. Le désintéressement de Sam, montré comme frôlant la névrose, met donc en péril l’existence de son foyer. Ce bon vieux Sam s’avère alors la quête d’une harmonie entre les exigences de la famille et les élans d’un coeur noble. Harmonie chrétienne s’il en est.
Gary Cooper dans le rôle-titre renouvelle le miracle effectué dans L’homme de la rue, à savoir incarner avec une aisance stupéfiante un personnage à haute dimension symbolique.

Parabole chrétienne d’une complexité infinie qui finit par dispenser un sentiment de béatitude typique d’une certaine famille de chefs d’oeuvre hollywodiens (La vie est belle, La route semée d’étoiles…), Ce bon vieux Sam est un des plus singuliers fleurons de la comédie américaine.

Les carrefours de la ville (City streets, Rouben Mamoulian, 1931)

Un brave gars est tiraillé entre son amour pour la fille d’un malfrat et son honnêteté. C’est un film de gangsters édifiant, mou du genou et pour tout dire pas très passionnant. Les quelques plans atypiques de Mamoulian ne rendent l’oeuvre ni plus belle ni plus vivante. On peut comparer Les carrefours de la ville à 20 000 years in Sing sing de Michael Curtiz, film contemporain tout aussi édifiant mais mis en scène d’une façon bien plus alerte et bien plus habitée.

Histoires extraordinaires (Jean Faurez, 1949)

Sous le second empire, des gendarmes se racontent des crimes. Film à sketches adapté d’Edgar Poe. C’est joliment mis en scène mais les segments sont d’un intérêt inégal.

Escalier interdit (Up the down staircase, Robert Mulligan, 1967)

Une jeune professeur d’Anglais est mutée dans un lycée défavorisé de Harlem…Escalier interdit est clairement un état des lieux sur les carences de l’éducation américaine. Divers personnages, de professeurs et d’élèves, font vivre la chronique. Ils apparaissent souvent assez caricaturaux d’autant que ce type de film a donné naissance à une multitude d’avatars dans les années 80 et 90. Heureusement, le magnifique personnage de la très charmante Sandy Denis contrebalance la pesanteur du film social.

Le traître du Texas (Horizons west, Budd Boetticher, 1952)

Après la guerre de Sécession, les trajectoires opposés de deux frères texans, l’un revenant au ranch paternel, l’autre étant déterminé à s’enrichir rapidement…Le récit et le héros sont intéressants. Le film a une dimension tragique mais est un peu trop bavard dans son déroulement. La mise en scène n’est pas encore aussi épurée que celle des films ultérieurs de Budd Boetticher.

Pump up the volume (Allan Moyle, 1990)

Dans une ville américaine paumée, les discours du mystérieux animateur d’une radio pirate agitent la communauté lycéenne.

C’est un film intéressant. Derrière le « teen-movie », il y a une critique intelligente des valeurs WASP, le DJ étant une sorte de refoulé de l’Amérique profonde. Il est simplement dommage que son histoire individuelle, prometteuse, ne soit pas plus développée; ce qui réduit l’individu réduit à un symbole (c’est un peu le problème de la comédie pour ado des années 80, à commencer par Breakfast club). Pump up the volume demeure un film sympathique, avec jolie jeune fille et BO branchée, mais on peut regretter que la dramaturgie, certes habile, soit essentiellement subordonnée au propos politique.

Wild boys of the road (William Wellman, 1933)

Pamphlet gauchiste rendu très percutant par la sécheresse documentaire caractéristique de William Wellman. Pas de fioriture, le film est court et va droit au but. Plusieurs séquences semblent prises sur le vif -ce qui est tout à fait inhabituel dans le cinéma hollywoodien des débuts du parlant- mais loin de se limiter à la captation d’un effet de réel, la mise en scène montre l’animalité de l’homme dans une situation de chaos social. Le discours final est ce qu’il y a de plus démonstratif dans le film mais cet aspect démonstratif est tempéré car l’orateur est individué par deux très belles ellipses qui suggèrent chez lui des sentiments très forts alors que l’oeuvre n’a par ailleurs pas grand chose de sentimental. Wild boys of the road est donc un très bon film.

Dernier atout (Jacques Becker, 1942)

Dans une ville imaginaire d’Amérique du Sud, un homme est abattu. On charge deux élèves inspecteurs d’élucider cet assassinat afin de les départager d’un concours de tir.

C’est le début d’une intrigue rocambolesque assez peu intéressante. Il n’y a pas beaucoup d’action, pas mal de dialogues mais Raymond Rouleau a une certaine classe, la mise en scène est élégante et la narration rapide. On sent la naissance d’un styliste derrière un film qui reste malgré tout convenu et plutôt ennuyeux.

Propriété interdite (Sidney Pollack, 1966)

Cher Raoul,

Comme promis, je te fais part de mes impressions concernant Propriété interdite maintenant que j’ai pris le temps de visionner ma k7.
Premier constat: Arte la putain dévoyée a diffusé le film en VF.
Deuxième constat -oui je précise bien deuxième constat car biberonné que j’ai été aux films du jeudi soir sur FR3, je ne considère pas qu’un doublage est mauvais par principe: cette VF est lamentable. Qu’à cela ne tienne, je me concentrerai plus sur ce qui se passe à l’image.

Le souci, c’est qu’il ne s’y passe pas grand-chose, à l’image. Sidney Pollack manque singulièrement de style et de toute évidence, le film est médiocre, lourdement pesé qu’il est par l’académisme de sa forme. Passons sur le fond d’une intrigue typiquement intello new-yorkaise qui brasse confusément préoccupations sociales, sexe et nostalgie américaine sans jamais approfondir quoi que ce soit. Bruce Springsteen, lui, en aurait fait une bonne chanson.

Mais il y a notre Natalie adorée. Natalie qui est un auteur plus intéressant que Sidney Pollack. Natalie qui, en vraie contrebandière hollywoodienne, marque tous ses films, même les plus formatés, de sa griffe. Qu’est ce donc que la griffe de Natalie Wood ? C’est le génie d’incarner la jeunesse dans ce qu’elle a de plus séduisant et donc de plus subversif. Dans tous les bons films de Natalie Wood, de La fièvre dans le sang à Love with the proper stranger en passant par La fureur de vivre il y a une séquence où elle se fritte avec ses parents, sa mère en général. Et c’est ce qu’il y a de plus intéressant dans Propriété interdite: l’exposition sans fard de cette jalousie larvée, taboue mais éternelle, entre une mère et sa fille, la première refusant que la seconde ait droit au bonheur qu’elle n’a pas eu lors de sa prime jeunesse. Ha, cette séquence où la vieille maquerelle réveille sa progéniture au petit matin, Natalie nue sous son drap, ha les violentes disputes qui s’ensuivent, c’est vrai, ça renvoie directement au chef d’oeuvre de Kazan. Corrige moi d’ailleurs si je me souviens mal, lors de la scène analogue dans La fièvre dans le sang, Natalie était aussi à poil, dans son bain cette fois; ce qui est logique puisque c’est bien l’insolente beauté de ce corps qui est au centre du conflit mis en scène. Je retiendrai d’ailleurs Natalie d’abord en déshabillé blanc plutôt qu’en robe rouge. Et les couettes aussi. Ha, les couettes de Natalie Wood, tout un programme. Les couettes, le symbole de l’innocence qui peut stimuler la pire des perversions…

Enfin, j’espère ne pas avoir paru trop dur pour ce film parce qu’un film qui cite expressément One way passage ne mérite pas qu’on en dise trop de mal.

Bien amicalement,

Christophe

La fille des marais (Detlef Sierck, 1935)

Un jeune fermier, amoureux d’une femme issue d’une plus grande ferme que lui, se rend à la foire aux employés pour embaucher une bonne. Il trouve une jolie servante, enceinte de son ancien patron…

Ce deuxième film réalisé par Detlef Sierck, futur Douglas Sirk, est son premier mélodrame. La mise en scène est déja parfaitement maîtrisée. C’est simple et beau comme du Dreyer. Il y a juste le deus ex machina final qui apparaît un peu facile pour résoudre l’intrigue.

Sans espoir de retour (Street of no return, Samuel Fuller, 1989)

Entre apparitions chez des bêtes de festival (Wenders, Gitaï), retour sur ses images tournées au camp de concentration de Falkenau ou encore réalisation d’un polar avec Véronique Jeannot et Victor Lanoux (Les voleurs de la nuit), la fin de carrière de Samuel Fuller fut assez folkorique. L’incertitude quant à l’intérêt du dernier film de l’auteur de Pickup on South Street était donc totale. Il se trouve que c’est une adaptation d’un roman post-apocalyptique de David Goodis coproduite par FR3. Matériau très vulgaire donc. Mais qu’importe puisque c’est dans des séries B que la grandeur de Fuller s’est manifestée. Son style outré peut pousser les conventions les plus éculées, les défauts de scripts les plus flagrants jusqu’à de sublimes paroxysmes. Fuller ne travaille pas contre le matériau, il ne cherche pas à le contourner mais il le prend à bras-le-corps.

Ici, l’histoire est particulièrement abracadabrantesque mais une fois le postulat invraisemblable accepté par le spectateur, ce dernier peut jouir des rebondissements toujours plus ahurissants. Détail essentiel: cette surenchère narrative ne se fait pas au détriment du personnage. On retrouve la même morale individualiste que dans le séminal Pickup on South Street, à savoir que c’est l’amour qui sauve de la pourriture ambiante. Il y a souvent un côté mélo dans les polars de Fuller, une abscence totale de cynisme vis-à-vis des personnages, une foi très pure dans leurs sentiments malgré -ou grâce à, c’est peut-être le secret de Fuller- l’exacerbation caricaturale des codes du genre.

La peinture de l’enfer urbain est encore plus exagérée que dans Les bas-fonds new-yorkais. L’esthétique générale est très ancrée dans l’époque du tournage, les années 80, avec des couleurs criardes  et des chansons sympa de Keith Carradine (l’acteur-chanteur joue une vedette de rock). Narration et découpage se moquent des transitions, on retrouve le style heurté et nerveux de Fuller. La violence est plus explicite que dans les années 50 mais elle reste filmée d’une façon percutante. La mise en scène est parfois approximative  (la poursuite sur le bateau) et elle ne suffit pas à faire de Sans espoir de retour un film aussi beau que les chefs d’oeuvre hollywoodiens du grand Sam mais le film est assez singulier pour mériter le coup d’oeil.

La tête contre les murs (Georges Franju, 1959)

Un bourgeois fait interner son fils asocial à l’hopital psychiatrique.

La tête contre la murs vaut surtout pour sa mise en scène qui nimbe le film d’une aura irréelle, sans être vraiment fantastique. Sans ostentation, sans volonté trop affichée de paraître original, Georges Franju arrive à donner une impression de neuf. Songeons à la séquence de vol du début, qui n’a rien d’une séquence de vol grâce entre autres à la musique de Maurice Jarre (paix à son âme) qui fait un judicieux contrepoint à l’image. D’une manière générale, le travail sur le son dans La tête contre les murs est fabuleux mais la poésie se manifeste à tous les niveaux de la mise en scène, des seconds rôles mémorables (Aznavour) à la photographie d’Eugène Schufftan en passant par le visage et le corps d’Anouk Aimée. Cette élégante étrangeté de la forme remet en cause les repères habituels entre folie et respectabilité sociale. Certes, tout n’est pas complètement réussi dans le film. La dérision facile et inadéquate insufflée par le style décalé aux scènes d’évasion montre que Franju n’est pas très à l’aise dans l’action. Le manichéisme incarné dans les deux docteurs opposés est également regrettable, il ramène l’oeuvre  du côté du film à thèse, altérant un peu sa grâce. La tête contre les murs n’en reste pas moins un très beau film.