Macadam (Marcel Blistène, 1946)

Un voyou sanguinaire s’installe dans un bouge dont il a autrefois connu la tenancière…

Jacques Feyder à la direction artistique, la sympathique gouaille de Françoise Rosay, la présence du jeune Paul Meurisse ainsi que de la trop rare Andrée Clément et le dénouement immoral ne compensent ni la grossière accumulation de poncifs qui tient lieu de scénario ni la parfaite nullité de la mise en scène.

Panic sur Florida Beach (Matinee, Joe Dante, 1993)

Dans une petite ville de Floride au moment de la crise des missiles de Cuba, un réalisateur de films d’horreur présente sa dernière production tandis qu’un ado dont le père militaire va de base en base tente de s’intégrer dans sa nouvelle école…

Cette réjouissante chronique de la vie d’une petite ville de Floride pendant le pic de la guerre froide s’annonçait comme le chef d’oeuvre de Joe Dante. La verve caustique de l’auteur, brocardant ici la paranoïa américaine, est comme toujours compensée par une réelle tendresse pour ses personnages.  On se moque des ridicules exercices d’évacuation scolaire mais on nous fait partager l’inquiétude du jeune héros dont le père marin est parti pour Cuba. Brève et bouleversante, la séquence du super 8 est sublime de nostalgie et d’angoisse feutrée. Rien que pour avoir réalisé cette séquence, Joe Dante ne saurait être négligé. Le début promettait un récit ample.

Malheureusement, les caractères ne sont pas fouillés comme ils auraient pu l’être. Les intrigues sentimentales ou amicales des ados restent assez superficielles quoique donnant lieu à des scènes très touchantes.  Avec la longue séquence de projection qui fait office de dernier acte, le réalisateur se laisse aller à ses péchés mignons que sont la dérision et le fétichisme. Il le fait certes avec du brio à revendre et son film est toujours plein de malice, d’humour et de fantaisie. On passe donc un excellent moment. Mais on ne peut s’empêcher de garder un petit arrière-goût de déception. Jamais peut-être n’aura t-on ressenti aussi pleinement les qualités (inventivité, virtuosité visuelle, justesse de ton) en même temps que les limites du cinéma de Joe Dante (trop de révérence envers les irrévérencieux empêche sa personnalité de s’exprimer pleinement).

Dien Bien Phu (Pierre Schoendoerffer, 1992)

Reconstitution de la chute de Dien Bien Phu.

Ha, si ce film avait été à la hauteur du déchirant concerto que Georges Delerue composa pour l’accompagner, quel sublime chef d’oeuvre il aurait été! Malheureusement, ce n’est pas le cas. Le parti-pris de représenter la bataille avec une multitude de personnages et une multitude de lieux était ambitieux mais force est de constater qu’il n’est pas tenu. Les transitions du montage paraissent arbitraires plutôt que soumises aux règles dramatiques d’une narration qui unifierait l’ensemble. La voix-off dont les interventions sont judicieuses aurait peut-être pu se faire plus présente, cela aurait accentué le lyrisme d’un récit qui ne décolle jamais vraiment.

Peut-être aussi aurait-il fallu davantage développer les personnages. En effet, ceux-ci ne sont guère intéressants car ils n’ont pas d’existence individuelle. Ils n’évoluent pas. Ils sont des symboles (tel le journaliste symbole de l’Amérique) dont les dialogues sont farcis de citations historiques sursignifiantes. Avec de tels rôles, pas étonnant que les acteurs semblent souvent à côté de la plaque. La mise en scène, qui n’est pas nulle mais quelque peu pataude, n’insuffle pas le souffle dramatique manquant. Reste la musique…

Cet échec est d’autant plus désolant à constater que, quoiqu’il s’agissait d’une commande, nul ne saurait douter de l’importance de cette oeuvre au coeur de Pierre Schoendoerffer.

Casier judiciaire (You and me, Fritz Lang, 1938)

Un homme en liberté conditionnelle qui travaille dans un grand magasin se marie à une vendeuse. Il ne sait pas qu’elle aussi est une ancienne criminelle…

Dernier volet de la passionnante trilogie de Fritz Lang avec Sylvia Sidney, Casier judiciaire est une sorte de mixte improbable entre Frank Borzage et Bertolt Brecht, très intéressant quoique foncièrement raté. Le film démarre comme une virulente critique de la société de consommation avec une étonnante introduction musicale. Kurt Weil a participé au film. Avant de quitter prématurément le projet, le compositeur engagé de L’opéra de Quat’sous a signé quelques chansons qui constituent les moments forts de l’oeuvre. Ces séquences musicales sont servies par des audaces visuelles puissamment expressives auxquelles Fritz Lang allait par la suite renoncer pour épurer son style.

A la base du projet, il y a donc un propos politique radical. L’idée était de délivrer celui-ci à travers une histoire d’amour entre deux repris de justices. Au début, ce jeune couple est filmé avec une simplicité et une franchise dignes de Frank Borzage, poète lyrique chez qui le contexte social était très important. Les escalators du grand magasin et les petites chambres de pensions de famille sont le décor schématique et vrai de leur idylle. George Raft joue comme Spencer Tracy à la même époque.

Malheureusement, au fur et à mesure que l’intrigue se déroule, les rebondissements sont de plus en en plus improbables. L’interaction entre l’histoire du couple et le message d’ailleurs mal défini du film (la virulence de Lang a sans doute été détournée par la Paramount) est mauvaise. La seconde se trouve finalement asservie à la première, au détriment de la vraisemblance et de la logique. Le hiatus de l’écriture culmine dans une fin qui contredit littéralement l’excellente introduction. Avec la scène qui voit Sylvia Sidney expliquer, démonstration arithmétique à l’appui, aux pieds-nickelés qu’il vaut mieux être salarié que cambrioleur pour s’enrichir, Casier judiciaire se transforme en une apologie quasiment comique du capitalisme et des patrons. C’est comme si Lang, conscient de la bêtise de ce qu’on lui demandait de filmer, s’en amusait. Au final, il reste un film décidément étrange, mal fichu mais plein de beautés et d’intérêt.

La femme du Pharaon (Ernst Lubitsch, 1922)

Un Pharaon et son architecte sont amoureux de la même femme, une servante grecque échappée de Numidie.

Avant-dernier film que Lubitsch tourna en Allemagne avant son départ pour Hollywood, La femme du Pharaon est une imposante superproduction où le réalisateur berlinois se montre aussi à l’aise qu’un Cecil B. DeMille lorsqu’il s’agit de gérer des milliers de figurants. Les décors égyptiens sont magnifiques et bien mis en valeur par les cadrages géométriquement composés. Les personnages sont intéressants car il n’y a pas vraiment de gentil ni de méchant, simplement trois individus pris dans un noeud tragique. Leur intrigue rappelle celle du Tombeau hindou de Fritz Lang. La mise en scène est bien plus sophistiquée que celle des films historiques précédents de Lubitsch, qui étaient d’ennuyeux pensums. Le film est dans l’ensemble d’une remarquable beauté plastique. La femme du Pharaon est simplement plombé par le jeu terriblement outrancier des acteurs ainsi que par un dernier acte façon « retour de la vengeance » quelque peu superflu.

Babe 2, le cochon dans la ville (George Miller, 1998)

Babe le cochon devenu berger se retrouve propulsé dans une grande ville pour aider son maître dont la ferme est menacée de saisie.

La gentillesse forcenée et quasi-absurde (alors qu’il évolue dans un milieu horrible) de Babe rappelle Ce bon vieux Sam. Il y a d’ailleurs du McCarey (ou du Capra) dans ce film dont la fin résolument utopique ne va pas sans un nécessaire contrepoint de noirceur d’autant plus terrifiant que le film est d’abord destiné aux enfants. Le réalisateur George Miller utilise génialement tous les artifices du studio à sa disposition. Les courses-poursuites virtuoses où la caméra ignore les contraintes physiques plongent littéralement le spectateur dans le film tandis que décors et lumière très stylisés accentuent l’intemporalité de la fable. L’aspect parfois brouillon du scénario ne doit pas faire oublier que Babe 2 est un film magnifique, plus radical que l’original. Inventif, drôle, pétri d’humanité (joies de l’anthropomorphisme!), complètement fou et absolument pas infantile.

Un revenant (Christian-Jaque, 1946)

A Lyon, un homme que des bourgeois croyaient avoir assassiné revient après avoir fait fortune…
Un film rendu complètement nul par l’épaisseur du trait. Les dialogues signés Jeanson sont effroyablement m’as-tu-vu et n’ont aucune espèce de crédibilité. Chacune de leurs répliques souligne la bassesse et la veulerie des bourgeois. Aucune nuance, aucune subtilité, aucune complexité donc aucun intérêt. Le milieu des tisserands lyonnais aurait pu être intéressant à pénétrer mais le contexte social n’est aucunement exploité par les auteurs et leurs personnages ne sont que des fantoches asservies à des conventions narratives éculées quand ils ne sont pas victimes du mépris sans appel de Jeanson tellement sûr de lui et de sa charge anti-bourgeoise. Ajoutons que si les acteurs plus âgés ne s’en tirent pas trop mal, François Périer est proprement insupportable. Comme beaucoup de personnages de jeunes du cinéma de qualité française, son rôle est navrant de bêtise. A vomir.