Une star de Broadway part à la campagne où il est engagé dans une troupe d’amateurs qui le prend pour un débutant.
Comédie fraîche et inconséquente qui a le bon goût de ne pas s’éterniser. Longtemps oublié car perdu, le film, récemment retrouvé, n’en reste pas moins oubliable.
Un gentil garçon et un méchant boxeur se disputent une fille.
Conventionnel et sans intérêt.
Une ambitieuse vendeuse séduit un jeune millionnaire…
That certain thing est une délicieuse petite comédie muette qui dépasse les conventions de base en suivant l’évolution assez inattendue des sentiments de ses personnages. La verve comique souvent basée sur les vannes (à la manière des Surprises de la T.S.F) qui annonce la screwball-comedy nous régale tandis que la délicatesse du découpage de Capra alliée au charme de la pétillante Viola Dana donne une consistance profonde à ce qui s’avère finalement une profession de foi simple et pleine d’entrain dans le rêve américain.
Un jeune peintre issu d’une famille riche fait d’une noceuse son modèle…
Ce film de 1930 est assez significatif de la régression artistique qu’a entraîné, durant les quatre ou cinq ans qui ont souvent été nécessaires aux cinéastes pour maîtriser la nouvelle technique, l’invention du parlant. Alors que Frank Capra avait sur un thème analogue réalisé des comédies muettes merveilleuses de vitalité, cette nouvelle variation autour des chercheuses d’or et des fils de bonnes famille n’est pas convaincante. Cette adaptation d’une pièce de théâtre pèche d’abord par manque de rythme dans la narration. Après une bonne exposition, l’intrigue stagne pendant à peu près une heure. De plus, ce sont désormais les dialogues, dits lentement comme c’était la règle à l’époque, et non les idées visuelles qui racontent l’histoire. Le découpage est bien moins précis qu’il n’a pu l’être auparavant chez Capra.
Par ailleurs, les acteurs n’ont visiblement pas intégré l’idée que l’arrivée de la parole permet de jouer d’une façon plus nuancée. Ainsi de la scène où Barbara Stanwyck éclate en sanglots à la table de son amoureux. C’est quelque chose qui aurait pu être émouvant dans un film muet, dont la mise en scène est d’ordinaire plus schématique que celle d’un parlant. En l’espèce, ses pleurs sonnent faux et exagéré, à l’image de l’ensemble du film. Ladies of leisure est donc un Capra pour le moins oubliable mais notre homme allait très vite, plus vite que nombre de ses collègues, apprendre à nous livrer des pépites parlantes.
Sous l’impulsion d’un fils ambitieux, une famille juive du Lower East side déménage sur la 5ème avenue.
D’abord simpliste et redondant lorsqu’il oppose la cupidité du fils à la simplicité du père et de la fille, ce film de Frank Capra littéralement à cheval entre le muet et le parlant s’avère intéressant lors de sa seconde partie où le jusqu’au-boutisme de l’auteur confère à son oeuvre des accents mélodramatiques particulièrement cruels. Pas mal du tout.
Cinq amis partent en virée et font des farces.
En dépit de son extraordinaire succès public dans la péninsule, Mes chers amis ne saurait être considéré comme un chef d’oeuvre de la comédie italienne. Regarder des quinquas cyniques se foutre de leur environnement s’avère à la longue assez ennuyeux d’autant que les gags ne volent généralement pas très haut. Le style de Monicelli (comme celui de Germi qui fut l’instigateur du projet avant de le refiler à son pote pour cause de maladie) est nettement plus grossier que celui des véritables maîtres du genre (Risi ou Comencini) chez qui la précision de la satire pouvait aller de pair avec une attention profonde aux personnages et à leurs relations. Les gags avec Bernard Blier, savoureux quoique s’éternisant quelque peu, sont tout de même à retenir.
Un chanteur sans le sou marié à une épouse loyale s’entiche d’une chercheuse d’or lorsqu’il atteint le succès.
Ce film qui est un des premiers parlants japonais et qui est donc encore à moitié muet est une accumulation de poncifs mélodramatiques sans intérêt. Il n’y a pas de hauteur de vue dans la mise en scène. Mizoguchi n’a pas encore trouvé sa voie ainsi qu’en témoigne son découpage très classique où abondent les plans américains.
Un escroc minable qui reprend le chantier abandonné d’une portion d’autoroute menant à un patelin paumé se voit dépassé par son arnaque.
En s’inspirant d’un extraordinaire fait divers, Xavier Giannoli parvient à captiver le spectateur pendant près de 2h30 avec une construction d’autoroute. Comment a t-il réussi cette prouesse? D’abord, l’importance accordée aux résonances socio-économiques du projet donne une ampleur romanesque au récit. C’est toute une région incarnée par une myriade de personnages secondaires que l’on voit se réveiller à cause de (grâce à?) cet escroc mythomane. Ces personnages solidement caractérisés sont sources d’une multitude d’enjeux dramatiques qui enrichissent considérablement la trame narrative. Les auteurs n’hésitent pas à mélanger les genres. Les scènes de règlements de compte entre truands alternent avec les confessions intimes sans que cela n’apparaisse artificiel, cela suit toujours la logique de l’évolution des personnages.
Au coeur de ces gigantesques travaux, il y a ce très beau personnage de petit malfrat enfermé dans ses mensonges. François Cluzet restitue excellemment sa complexité, son mystère et, aussi, son vide existentiel. Ne serait un découpage bêtement confus lors des scènes d’action, la mise en scène est à l’avenant de ce film ample. Le style est d’un réalisme assez abstrait qui flirte parfois avec le fantastique. Giannoli n’hésite pas à oser un certain lyrisme, plaçant ici un mouvement de grue à la Delmer Daves, là un plan très large de Cluzet cavalant dans la rase campagne pour magnifier ses chantiers et les passions ambigües de son héros. A l’origine est donc un film ambitieux, original et réussi et la critique, les institutions (Césars) et le public ont eu tort de lui préférer, en 2009, Un prophète qui n’est guère plus qu’une démonstration d’élève appliqué.
Un journaliste américain et une danseuse russe récemment mariés sont séparés par les autorités soviétiques…
Film de propagande anticommuniste formaté par la MGM sans intérêt. Le récit est aussi grossier que les intentions, l’histoire d’amour est invraisemblable car dénuée de substance, Gene Tierney n’apparaît presque pas à l’écran et il n’y a aucune trace de la sensibilité habituelle de Delmer Daves.
Une jeune provinciale courtisée par un héritier benêt et rêvant de devenir comédienne se fait engager par un cabotin…
On peut légitimement se demander ce qui a pris Clouzot d’adapter cette fameuse comédie de boulevard de la Belle Epoque. Blagues dignes des Grosses têtes, cabotinage outrancier des comédiens, personnages stéréotypés, traitement superficiel et convenu.
Regardée avec une certaine distance (distance de toute façon entretenue par la mise en scène très théâtrale tel qu’en témoignent les multiples regards caméra de Saturnin Fabre), cette pochade peut parfois s’avérer amusante.
Après la drôle de guerre, trois camarades démobilisés décident d’ouvrir un centre pour jeune délinquants qui sera moins sévère que les autres.
Le carrefour des enfants perdus est un des très rares films tournés sous l’Occupation à représenter une situation explicitement contemporaine. Il faut dire qu’il a pour objet de promouvoir les théories vichystes sur l’éducation de la jeunesse. L’identité des commanditaires est parfois trop évidente comme lors de l’apologie finale du chef dont le rapport avec le reste du récit est pour le moins ténu. De plus, les personnages sont dessinés à gros traits, leur comportement est essentiellement déterminé par leur fonction dramatique (le méchant tentateur, le garnement qui a un bon fond, le héros parfait…).
Ceci étant dit, ce film à thèse est plus complexe qu’il n’y paraît et surtout il n’a, en dehors de ce bête discours final, rien de lénifiant. C’est un film dur et violent où les héros pleins de bons sentiments en bavent. La mise en scène de Joannon, si elle peut manquer de finesse, est solide, réaliste et parfois spectaculaire. René Dary est impeccable en éducateur à la bonne volonté inébranlable mais le jeune Serge Reggiani est carrément épatant et c’est d’ailleurs avec ce film qu’il a percé. Le carrefour des enfants perdus est donc un bon film.
Un agent secret anglais est chargé de contrer un diabolique professeur qui a mis au point une arme redoutable.
Comme son résumé le laisse entendre, ce tardif opus de la série initiée par Fritz Lang est très influencé par James Bond qui faisait alors fureur. Des jolies filles en petite tenue, le décor agréablement touristique de l’île de Malte, l’arme surpuissante symbolisant évidemment la bombe atomique…Tout ceci est mis en scène avec ce qu’il faut de distance ironique pour rester amusant malgré l’évidente débilité de l’histoire racontée. Ajoutons au crédit du film qu’il y a des hommes-grenouilles. Les rayons de la mort du docteur Mabuse est donc une plaisante série B.
Dans une auberge perdue dans la montagne, un courtier en diamants est assassiné.
Adaptation de la nouvelle de Balzac sortie trente ans avant la célèbre comédie noire de Claude Autant-Lara, L’auberge rouge est un des premiers travaux cinématographiques de Jean Epstein, théoricien avant-gardiste alors âgé de 25 ans. C’est un exercice de style plein d’expérimentations et de recherches. On sent dans le montage et le découpage une volonté d’explorer toutes les possibilités d’un art presque aussi jeune que le cinéaste. Ce cinéaste ne s’est pas encore enfermé dans la froideur absconse qui caractérise certains de ses films ultérieurs (La glace à trois faces) et chacune de ses trouvailles a un but expressif. C’est parfois naïf, c’est parfois lourd, ça n’est jamais vain. C’est même dans l’ensemble très convaincant. Toute l’exposition dans la grande salle de l’auberge est étonnante de maîtrise. L’atmosphère balzacienne, trouble, mystérieuse et propice au romanesque, est excellemment rendue grâce entre autre à des cadrages joliment composés et à des acteurs aux gueules pittoresques. On peut également citer le montage parallèle de l’exécution, séquence inspirée de Griffith dans laquelle Epstein a eu l’idée d’insérer des plans subjectifs porteurs d’une poésie bienvenue. Si tout n’est pas d’égale valeur dans cette oeuvre de jeunesse (qu’y a t-il de plus inintéressant qu’une scène de tribunal? une scène de tribunal muette!), si on peut regretter quelques conventions mal digérées, L’auberge rouge n’en reste pas moins un très bon film, un des rares fleurons non périssables de l’Avant-garde française.
Dans une banlieue indéterminée, un flic hanté par l’assassinat de sa fille par son épouse folle enquête sur un meurtre particulièrement sordide.
Adapté d’un roman de Robin Cook, Les mois d’avril sont meurtriers est une de ces pépites du polar noir à la française sorties entre la fin des années 70 et la fin des années 80. Il appartient à la même veine que Série noire ou Poussière d’ange. La verdeur des excellents dialogues signés Bertrand Tavernier ainsi que l’abstraction de la mise en scène (voir l’étonnant décor du commissariat en béton) accentuent le lyrisme théâtral des nombreux affrontements verbaux entre le flic et son principal suspect. Dans son premier rôle dramatique au cinéma, Jean-Pierre Marielle est magnifique de truculence désabusée tandis que son partenaire Jean-Pierre Bisson est flamboyant de perversité. Leurs face-à-face filmés avec un minimum de plans (peu de champs/contrechamps) sont fascinants, parfois ambigus et révèlent petit à petit la personnalité du suspect. Cet artifice délibéré aurait pu enfermer Les mois d’avril sont meurtriers dans un dispositif conventionnel et de ce fait l’anesthésier mais il n’en est rien car Laurent Heynemann contrôle rigoureusement ses deux monstres sacrés et il vivifie son film avec une bonne dose d’humour ravageur et inattendu (le flic féru de Frank Borzage qui imite Patrick Brion!). Tout au plus regrettera t-on que le dénouement assez superficiel ne soit pas à la hauteur des attentes suscitées et que la dimension politique de l’intrigue ne soit pas plus affinée.
Un scientifique est engagé par l’OSS pour contrecarrer les projets atomiques des nazis en Europe.
Gary Cooper, héros américain sans peur et sans reproche, est un immense acteur mais n’apparaît pas vraiment à sa place dans l’univers trouble et pessimiste de Fritz Lang. Il faut dire que son personnage de professeur de physique devenu espion est particulièrement improbable. Plusieurs de ses répliques sont chargées des intentions anti-atomiques des auteurs et il est difficile de ne pas sourire lorsque, approché par un agent de l’OSS, notre homme déclame gravement un discours sur la science au service de l’humanité avec une pomme en guise de support de sa démonstration. De plus, sa romance avec une résistante de 20 ans plus jeune que lui est convenue, théâtrale et invraisemblable en plus de prendre une place exagérément importante dans le film. Il y a donc un côté naïvement hollywoodien dans Cape et poignard avec lequel Fritz Lang n’est guère à l’aise.
Ces importantes réserves étant posées, il faut souligner l’excellence de la mise en scène lors de la plupart des scènes d’action. Tantôt sèche et brutale de par son extraordinaire concision (la libération avortée en Suisse) tantôt raffinant à l’extrême la violence comme lorsque Cooper tue un adversaire à mains nues pour sauver sa peau. Fritz Lang montre alors, d’une façon bien plus percutante que les grands discours qu’il place dans la bouche de son héros, que le mal nécessaire reste le mal.
Suite à un accrochage sur la route, un veuf de banlieue rencontre puis se coltine une jeune et jolie mondaine…
L’arbitraire démiurgique de la fantaisie en toc fait qu’on se désintéresse des personnages et de l’histoire racontée au bout d’un quart d’heure.
A Ispahan, un barbier s’éprend d’une princesse hautaine…
Démesurément encensé par une certaine frange de la cinéphilie française des années 50 (les Mac-Mahoniens notamment), Hadji Baba n’est ni un chef d’oeuvre absolu ni un ridicule navet. C’est un film d’aventures kitsch, superficiel mais aussi mouvementé, fantaisiste, riche en péripéties et qui se distingue par un érotisme violent. A l’opposé de toute niaiserie, les personnages y sont mus par des désirs impérieux. Outre la magnifique Elaine Stewart qui joue la princesse, le film est plein de seconds rôles féminins en tenue affriolante parfois interprétés par des playmates ou des pin-ups. Ainsi, l’idée des amazones évadées du harem est peut-être la meilleure du film. C’est en tout cas la plus agréablement surprenante.
Une jeune fille et un peintre se rencontrent le 14 juillet 1914. Le jour de leur mariage, la guerre est déclarée…
La première partie illuminée par le visage sublime de béatitude amoureuse de Micheline Presle est magnifique. Le couple qu’elle forme avec Fernand Gravey est beau comme un couple de Frank Borzage. L’amour, la guerre, la mort. La trame est simple mais retorse car Abel Gance va jusqu’au bout des possibilités mélodramatiques de son récit, jusqu’à faire exhaler à son film un parfum de mélancolie quasi-incestueuse. Certains effets tel que la surimpression finale sont naïfs mais ils fonctionnent grâce à la virtuosité du cinéaste et à la conviction des acteurs. Au final et en dépit d’un improbable car trop vite expédié dernier acte, Paradis perdu s’avère un des meilleurs films parlants d’Abel Gance.
Lorsqu’il sombre dans l’alcool après avoir été quitté par sa fiancée, un mineur stakhanoviste se fait manipuler par un agitateur au service des patrons.
Voici peut-être le film le plus à gauche de tout le cinéma hollywoodien. Sa morale est clairement révolutionnaire puisque c’est en menaçant de faire sauter la mine que l’ouvrier obtient ce qu’il demande des patrons. Il est vrai que la Warner a produit au début des années 30 une série de films sociaux particulièrement durs. En 1935, Furie noire achève cette série d’une façon paroxystique. Malheureusement, Furie noire n’est pas une réussite. La photographie est soignée mais la composition caricaturale de Paul Muni en immigré tchèque est insupportable et ne rend jamais sensible le drame intime qui pousse son personnage à des actions dramatiques et suicidaires d’autant que ce drame est écrit d’une façon assez schématique. On touche peut-être aussi du doigt une limite essentielle du (grand) talent de Michael Curtiz lorsqu’on voit la communauté d’immigrés du film. Bien que Curtiz soit lui-même originaire de Hongrie, cette communauté est dépeinte avec un pittoresque superficiel à l’opposé par exemple de la densité d’un John Ford. Furie noire est donc un film littéralement extraordinaire (sortant largement de l’ordinaire) mais médiocre.
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