En 1984, une riche écrivain et son époux policier sont confrontés à l’arrivée du SIDA via un jeune homosexuel dont est fou amoureux leur proche ami médecin.
Le lyrisme est parfois forcé: le montage abrupt et la musique expressive de Philippe Sarde suppléent tant bien que mal à certains raccourcis du scénario. Fondamentalement réduite à un quatuor amoureux, la fresque semble étriquée mais comme souvent chez Téchiné, les acteurs sont excellents donc le film reste prenant.
Au décès de leur mère, les petits-neveux d’un artiste à succès s’interrogent sur la succession.
L’histoire de cette famille aurait pu m’intéresser si elle avait été traitée sous un angle plus critique quant à la décadence de la France et la nécessité pour les rejetons de ses grandes familles de s’exiler pour continuer à gagner de l’argent mais ce n’est clairement pas ce qui intéresse Olivier Assayas qui se passionne vraiment pour les objets en tant que tel estimant visiblement que la question d’un bourgeois déjà plein de pognon « dois-je garder mes deux Corot ou dois-je en tirer un gros chèque? » est en soi un dilemme dramatique à même de passionner chaque spectateur. A cause du défaut d’unité narrative et de la complaisance molle de l’auteur, les scènes avec la fille dissipée d’un père veule ne convainquent pas plus. La fluidité du filmage, la rapidité du rythme et le métier des acteurs, en tête desquels Edith Scob, rendent l’oeuvre, si ce n’est profondément intéressante, du moins regardable. Il faut reconnaître à Assayas une qualité: il ne s’appesantit pas.
De l’invasion conjointe de 1939 par les Allemands et les Russes jusqu’au début du joug communiste, la seconde guerre mondiale vue par des officiers polonais massacrés à Katyn et leurs familles.
A grand sujet, forme épique. La caractérisation des personnages est simple, le récit entraîné par leur évolution reste schématique et les attentes narratives du spectateur peuvent être déjouées par la fin; fin qui, réflexion faite, s’avère parfaitement logique. Le terrassant dernier plan, une pelletée de terre qui recouvre la caméra, est typique de l’inspiration symboliste de l’oeuvre. Quarante ans après Cendres et diamants, les films d’Andrzej Wajda n’ont rien perdu du souffle visuel qui les fit connaître en Occident au milieu des années 50. Son sens de l’allégorie n’a d’égal que l’envergure de ses mouvements d’appareil (une envergure qui se révèle toutefois inutile et ostentatoire dans la séquence du chant des prisonniers). Ce talent puissant et abstracteur fait de lui le cinéaste idéal pour filmer l’Histoire. L’ouverture, qui montre deux foules de Polonais se croisant sur un pont, pourchassés d’un côté par les Russes et de l’autre par les Allemands, a la fulgurante puissance d’évocation d’un grand film muet. En quelques secondes, petite et grande histoire sont présentées. Cependant, il est dommage que la musique de Penderecki fasse souvent redondance avec les images.
Cette virtuosité glacée, aux confins de l’académisme, s’avère finalement un bon antidote aux divers poisons sécrétés par le sujet: dérive mélodramatique et dérapage politique. Le sujet est tellement fort qu’un traitement impeccable sur les plans didactiques et visuels suffit à faire de Katyn un film émouvant et important; un film d’autant plus important en France que beaucoup de Français, notamment parmi les soi-disant intellectuels, ont toujours du mal à accepter la vérité sur ce massacre, le mensonge communiste subséquent et, plus généralement, le terrible sort des Polonais qui furent abandonnés aux nazis puis aux Soviétiques par leurs alliés occidentaux. L’infamie sournoise et ignare de la critique du Monde (le « journal de référence ») témoignait encore de ce problème de mémoire en 2009.
Une réunion de famille dans un manoir breton vire au crime.
Passe encore pour les inégalités de la distribution (Laura Smet, très caricaturale) et le côté très « monde sous cloche » de la mise en scène d’un Pascal Thomas qui a depuis longtemps tourné le dos à la justesse réaliste de ses débuts. L’équilibre entre comique et policier est suffisamment assuré pour maintenir l’intérêt du spectateur. Ce qui fait vraiment sombrer L’heure zéro, c’est un dénouement, donc une clef de voûte, dénué de toute logique élémentaire. De plus, lors de cette scène capitale, le jeu de Melvil Poupaud, incapable de simuler la démence, en rajoute dans le ridicule (alors que le jeune homme s’en sort très bien lorsqu’il se limite à « jouer » le grand bourgeois).
Une productrice de télé divorcée s’entiche d’un de ses acteurs, nettement plus jeune qu’elle…
Quelques scènes marrantes, un certain piquant satirique contre l’illusion de la jeunesse éternelle et le charisme des deux acteurs, Paul Rudd et la toujours très belle Michelle Pfeiffer, rehaussent l’intérêt de cette comédie opportuniste, pusillanime (la différence d’âge entre les amants aurait dû être plus importante) et globalement poussive (le pire étant le parallèle avec la fille qui vit ses premières amours).
Après qu’il l’a invitée au restaurant, une femme refuse le baiser d’un homme et s’en explique en racontant la mésaventure arrivée à un couple de sa connaissance…
De plaisantes arabesques (Emmanuel Mouret a un certain talent comique) enrobent un argument dramatique con comme la lune. Du fait que les personnages sont réduits à l’état d’animaux pulsionnels, le discours sur l’adultère ou encore l’ambiguïté de l’amitié hommes/femmes n’a à peu près aucun intérêt. L’auteur, schématique en diable, fait son miel de la stupidité de ses protagonistes. Un baiser s’il vous plaît n’en reste pas moins amusant et les comédies amusantes (et un brin sophistiquées) sont suffisamment rares aujourd’hui pour être signalées.
Un documentaire sur maître Vergès qui a été l’avocat du FLN, de Carlos, de Klaus Barbie, des Khmers rouges et de clients divers et variés.
Un itinéraire tel que celui de Jacques Vergès est évidemment passionnant dans la mesure où il recoupe une bonne partie de ce qui a fait la deuxième moitié du XXème siècle. Le fait que le cinéaste ait donné la parole, non seulement à Vergès, mais aussi à des témoins directs du FLN, de la fraction armée rouge ou encore de Septembre noir permet d’en apprendre beaucoup sur les mouvements terroristes des années 60-70. Les liens entre militantisme palestinien et nazisme sont ainsi clairement établis.
Néanmoins, pour captivant qu’il soit, on a l’impression que L’avocat de la terreur ne traite que superficiellement son sujet. Evidemment, le secret d’une personnalité comme celle de Vergès ne peut pas être révélé en deux heures mais plutôt que des interventions de »journalistes spécialisés » réductrices du type « c’est un ancien colonisé donc il n’aime pas l’Occident », on aurait aimé un contradicteur qui pousse l’avocat dans ses retranchements quand il justifie ses défenses de Klaus Barbie ou des Khmers rouges avec des raisonnements très grossiers voire ouvertement fallacieux. Qu’on le mette en face de ses éventuels mensonges (mensonges qui sont d’ailleurs mis en évidence par le montage) pour qu’il en ressorte quelque chose d’intellectuellement plus stimulant que des analogies primaires entre méthodes de la Gestapo à Lyon et méthodes de l’armée française en Algérie. Mais son parcours est si riche et il y a tellement d’affaires à creuser que c’est dix heures qu’il aurait fallu lui consacrer. Pour ma part, j’aurais été prêt à tout regarder sans sourciller.
Deux résistants racontent leurs évasions. Ensuite, un ancien soldat raconte le moment où, pendant la guerre d’Algérie, il s’est opposé à un collègue qui torturait.
Contrairement par exemple au travail d’un Claude Lanzmann, Alain Cavalier a recueilli les récits de ces hommes sans opérer la moindre coupe, ce qui minimise la présence du réalisateur au profit de la parole des « braves ». Cavalier se contente en fait d’enregistrer, après avoir demandé à chacun de faire en sorte que la taille de son discours ne dépasse pas celle d’une cassette de sa caméra. Ce qui fait plus d’une demi-heure. Le temps laissé à chaque héros permet, au-delà du caractère édifiant de chaque intervention, aux différentes personnalités de poindre et le tout n’en est que plus émouvant. Pour autant, les récits ne manquent pas d’humour. Ainsi du froid glacial de la jeune fille de la Croix-Rouge que le résistant Raymond Levy espérait séduire. Ainsi de la bonne blague faite à Michel Alliot durant sa cavale lorsqu’il frappa à la porte d’une ferme:
« -C’est pas de chance pour vous, je suis le chef local de la milice.
-…
-Ha ha ha! j’déconnais, rentrez vous cacher! ».
Dans une villa du Var, une metteuse en scène qui a réuni des amateurs divers et variés essaye de monter une pièce de Corneille.
Humeurs et rumeurs est d’abord la suite de Corps à coeur puisqu’on y retrouve le personnage de Nicolas Silberg trente ans plus tard, hanté par sa passion de jeunesse. Néanmoins, il n’est ici qu’un personnage parmi d’autres, chacun avec ses drames, ses histoires, son histoire. Le film est hanté par la mélancolie de son auteur. Autoproduit dans la villa du cinéaste, Humeurs et rumeurs est vecchialien jusqu’au bout des ongles. On y retrouve le goût de l’auteur pour les surprises dialectiques (les retournements finaux), son refus du champ-contrechamp, des intermèdes chantés concoctés avec le fidèle et toujours aussi inspiré Roland Vincent et des citations d’Achard/Ophuls. Mais par rapport aux productions Diagonale, Humeurs et rumeurs apparaît théorîque, froid, désincarné. Le statisme de la mise en scène, l’abondance de dialogues, le jeu anti-naturel des acteurs (certes pas nouveau chez Vecchiali) créent une impression de fausseté et d’arbitraire. L’histoire d’amour centrale n’est guère rendue sensible en dehors certes de quelques fulgurances stylistiques tel ce sublime mouvement de caméra sur le port de Saint-Tropez. A noter aussi que la lumière du Var est magnifiquement captée.
Suite à une bagarre sur le podium, deux rivaux en patinage artistique sont interdits de compétition individuelle. Un entraîneur a l’idée de les faire patiner en couple.
L’idée de départ promettait donc une formidable comédie mais la façon dont elle est développée est faible et convenue. Les personnages se réduisent à des caricatures, les gags, toujours vulgaires, sont tantôt drôles tantôt navrants d’infantilisme et le film est finalement médiocre. Quand on voit ce genre de truc, on ne peut guère blâmer les distributeurs français pour leur frilosité face à la comédie américaine contemporaine.
Dans un motel de l’Amérique profonde, une jeune femme sentimentalement à la dérive rencontre un homme qui serait poursuivi par l’armée après s’être évadé d’un laboratoire.
Difficile d’en raconter plus sans déflorer l’intérêt du film qui est essentiellement basé sur le mystère de l’intrigue et le jusqu’au boutisme de la narration. Bug est un grand film sur la paranoïa dans lequel la froideur clinique, le refus de toute prise de parti de la part du metteur en scène instaure le doute jusqu’à la fin. Du coup, le film a un côté exercice de style démiurgique mais le personnage de la femme est suffisamment bien écrit et interprété (magnifique Ashley Judd) pour exister à l’écran autrement que comme un pantin soumis aux intentions de l’auteur. Brillant.
Dans la Roumanie de Ceaucescu, le périple de deux jeunes filles pour avorter l’une d’entre elles.
Vous connaissez tous déjà, je pense, la fameuse palme d’or roumaine. Que dire si ce n’est que ce filmage en plans-séquences, que ce perpétuel nez dans le guidon est à la fois la force et la limite du film? Coller aux héroïnes permet de se centrer sur l’action, de faire ressentir les choses d’une façon directe sans passer par le discours. Mais l’absence de toute mise en perspective limite la portée de l’oeuvre. Ainsi, on aperçoit beaucoup de pistes intéressantes durant la sordide équipée des deux filles mais aucune n’est jamais vraiment traitée faute d’une vision d’ensemble englobant le sujet. Mungiu embrasse beaucoup mais n’étreint pas. Pourquoi d’ailleurs avoir placé cette histoire sous Ceaucescu? Finalement, le cinéaste ne montre rien de spécifique à une dictature. En définitive, la ligne directrice de 4 mois, 3 semaines, 2 jours, son sujet profond, est peut-être à chercher dans le sens de l’amitié qui motive l’héroïne.
Caricature pesante, vide et inintéressante de cinéma d’aaaaaaaart et essai. Incarnation parfaite de ce cinéma de festival abhorré. Un coup à vous fâcher une bonne fois pour toute avec les vendus qui composent la critique établie.
Avis sur des films 