L’armée du crime (Robert Guédiguian, 2009)

L’histoire des résistants, immigrés et communistes, du groupe Manouchian.

Au début du film, il y a un plan de soldats allemands devant la Tour Eiffel avec, en fond sonore, l’Internationale, puis un journal commence à apparaître en surimpression. Un bref instant, j’ai cru Robert Guédiguian capable d’ironie et de subtilité, pensant qu’il faisait allusion au pacte germano-soviétique et à la demande de reparution de L’Humanité aux autorités allemandes en 1940. Las! C’est en fait l’opération Barbarossa qui est ainsi, hyper conventionnellement, évoquée. L’absence de rigueur dans la chronologie avait pu m’induire en erreur mais pas la mise en scène de Guédiguian qui se borne à une illustration de la légende, ainsi qu’il le revendique lui-même à la fin de son film.

Ce mépris de la vérité historique engendre deux problèmes cinématographiques. D’abord un déficit de justesse dans la reconstitution, notamment dans la façon dont les personnages s’expriment: comme des jeunes -quand ce n’est pas comme des éditorialistes de gauche- d’aujourd’hui. Ensuite, et c’est encore plus fâcheux que ce dernier décalage auquel le spectateur s’adapte finalement, la réduction de la complexité de l’Histoire à une leçon d’éducation civique simplifie éhontément la dramaturgie: l’attentisme communiste avant juin 1941 est escamoté, le débat interne à la Résistance sur l’assassinat de soldats allemands -et les représailles alors engendrées- n’est qu’effleuré (l’objectif politique du PC n’est même pas même dit), le refus de la direction du PC de replier le groupe affaibli n’est pas évoqué…

En résulte une fresque aux effets faciles quoique parfois irrésistibles (la Passion selon Saint-Matthieu pour illustrer le calvaire des résistants), prévisible mais prenante. Ceci essentiellement grâce au remplissage d’une condition nécessaire à la réussite d’une telle épopée: les notations intimistes, qui peuvent sortir le film de ses rails propagandistes (voir l’ambiguïté du personnage malheureusement secondaire de Darroussin) et qui sont ce qu’il y a de plus réussi dans le film, notamment grâce à l’excellence des comédiens; plaisir de revoir Virginie Ledoyen, chargée de fond de teint pour faire croire qu’elle est arménienne mais toujours sublime.

Naples, Naples, Naples (Abel Ferrara, 2009)

Documentaire sur Naples avec focus sur la prison de femmes.

Lorsque ça va au-delà de l’anecdote, c’est pour enfoncer des portes ouvertes du type « le chômage engendre la criminalité ». Par ailleurs, Ferrara a inséré dans son documentaire des scènes de fiction particulièrement grotesques.

Good morning England (Richard Curtis, 2009)

Dans les années 60, l’histoire d’une radio pirate qui diffuse du rock&roll en Angleterre depuis un bateau…

Caricaturale et démagogique publicité pour « la musique des jeunes » qui serait tout à fait insupportable sans la présence de deux actrices parmi les plus gracieuses de leur génération: Talulah Riley et January Jones. Evidemment, les chansons qui composent la bande-son sont magnifiques mais leur utilisation est d’une désolante platitude. Parmi cette 135 minutes (!) de mise en images illustrative voire pléonastique, une belle idée de cinéma à retenir: le sauvetage du père par le fils avec les disques qui se « noient ».

Des nouilles aux haricots noirs (Lee Hey-jun, 2009)

Après s’être jeté du haut d’un pont, un jeune homme largué par sa copine se retrouve seul sur une île au large de Séoul. Là, une hikikomori l’apercevra avec ses jumelles et nouera une sorte de relation à distance…

N’ayant aucun recul sur ses personnages de demeurés sans intérêt, le réalisateur signe un film sans intérêt. La mise en scène se réduit à une espèce de vernis publicitaire qui rend tout uniformément « cool et sympa », à la façon des pires films branchouilles américains, et aucune dialectique dramatique ne se crée. Seul effet de réel de ce film aussi autiste que ses personnages: une complaisance dans la plus basse des trivialités censée être amusante.

A l’origine (Xavier Giannoli, 2009)

Un escroc minable qui reprend le chantier abandonné d’une portion d’autoroute menant à un patelin paumé se voit dépassé par son arnaque.

En s’inspirant d’un extraordinaire fait divers, Xavier Giannoli parvient à captiver le spectateur pendant près de 2h30 avec une construction d’autoroute. Comment a t-il réussi cette prouesse? D’abord, l’importance accordée aux résonances socio-économiques du projet donne une ampleur romanesque au récit. C’est toute une région incarnée par une myriade de personnages secondaires que l’on voit se réveiller à cause de (grâce à?) cet escroc mythomane. Ces personnages solidement caractérisés sont sources d’une multitude d’enjeux dramatiques qui enrichissent considérablement la trame narrative. Les auteurs n’hésitent pas à mélanger les genres. Les scènes de règlements de compte entre truands alternent avec les confessions intimes sans que cela n’apparaisse artificiel, cela suit toujours la logique de l’évolution des personnages.

Au coeur de ces gigantesques travaux, il y a ce très beau personnage de petit malfrat enfermé dans ses mensonges. François Cluzet restitue excellemment sa complexité, son mystère et, aussi, son vide existentiel. Ne serait un découpage bêtement confus lors des scènes d’action, la mise en scène est à l’avenant de ce film ample. Le style est d’un réalisme assez abstrait qui flirte parfois avec le fantastique. Giannoli n’hésite pas à oser un certain lyrisme, plaçant ici un mouvement de grue à la Delmer Daves, là un plan très large de Cluzet cavalant dans la rase campagne pour magnifier ses chantiers et les passions ambigües de son héros. A l’origine est donc un film ambitieux, original et réussi et la critique, les institutions (Césars) et le public ont eu tort de lui préférer, en 2009, Un prophète qui n’est guère plus qu’une démonstration d’élève appliqué.

Violent days (Lucile Chaufour, 2009)

Trois ouvriers franciliens amateurs de rockabilly ainsi que la copine de l’un d’entre eux entreprennent un voyage au Havre pour voir un concert.

Violent days est un film qui oscille entre documentaire et fiction sans qu’on puisse le réduire à l’une ou l’autre de ces deux catégories.

Pour le meilleur et pour le pire, il y a d’abord une intention sociologique dans la démarche de Lucile Chaufour.
Le meilleur, ce sont les interviews des rockers façon Strip-tease; des propos éclatants de vérité nue souvent montés en voix-off qui donnent un ancrage réaliste au film. Ils parlent de leur travail aliénant à l’usine,  de leur passion pour le rockabilly, de leur fascination pour une certaine Amérique, de leur famille aussi.
Le pire, c’est le déterminisme bourdieusien présent sans être explicité. Le film n’est heureusement pas un exposé sociologique sur les banlieues prolétaires mais du coup l’absence d’explication sérieuse, de prise en compte des éléments pouvant éventuellement contredire la vision désespérée de la cinéaste donne au film un côté « Les gauchistes parlent aux gauchistes » assez désagréable. Autrement dit: le discours est bien là mais puisqu’on est entre gens de bonne compagnie, on n’a pas besoin de montrer en quoi il est vrai.

Ceci étant, cette intention que l’on imagine préalable au tournage est peu importante par rapport à la magnifique justesse avec laquelle Lucile Chaufour filme ses protagonistes. Sans mépris, sans complaisance mais avec une certaine dose d’humour, elle les écoute (c’est la partie Strip-tease de Violent days) et en fait les personnages d’un superbe road-movie en Noir&blanc (c’est la partie fiction). Façon pour elle de les projeter dans leur idéal de cinéma américain. De plus, l’absence de contextualisation temporelle les situe dans une sorte de réalité éternelle. Enfin, la bande-son hypnotique, la lumière charbonneuse et surtout le visage incandescent de la magnifique Serena Lunn dont le personnage vulnérable est le sublime et nécessaire contrepoint de l’ambiance macho achèvent de faire de la projection de Violent days une expérience fascinante.

Ce poème rock&roll sur les illusions d’évasion de certains prolétaires figure parmi ce que le cinéma français a produit de plus vivant, de plus original et de plus beau ces quinze dernières années.

Tetro (Francis Ford Coppola, 2009)

Un jeune marin américain retrouve son grand frère à Buenos Aires et tente de lever le voile sur les secrets de famille.

Ce qui frappe d’emblée, c’est la texture clinquante de l’image: un noir&blanc numérique ultra-léché et sans âme. La complication de plusieurs plans contenant des reflets ou des rayons lumineux de diverses sortes n’a d’autre fonction que l’étalage de cette complication. C’est aussi joli qu’inexpressif. Cette esthétique publicitaire nuit irrémédiablement à la substance dramatique du film d’autant que la caractérisation des personnages et des situations est trop souvent sacrifiée sur l’autel d’une aura mythologique peu convaincante (Alone et le festival de Patagonie). Même lorsqu’il fait un film en toute liberté à l’écart des studios, Coppola reste un démiurge qui refuse toute intrusion du réel dans ses oeuvres. Par exemple, à part lors d’un gigantesque plan d’ensemble, les rues de Buenos Aires sont toujours vides. Sa mise en scène respire l’artifice en permanence. Bref, comme Rusty James, un autre film sur l’admiration fraternelle, Tetro est d’abord une sinistre imitation de film d’auteur européen.

Pourtant, l’oeuvre parvient à toucher le spectateur via la mise en forme de considérations que l’on imagine éminemment personnelles. Coppola père n’est pas Coppola fils et Tetro n’est pas un pur navet arty comme l’était CQ. Ainsi, des visions baroques hallucinées (et en couleur) matérialisant les fantasmes de Tetro viennent régulièrement rompre la continuité de la narration et insufflent une complexité bienvenue au film. Pour convenu qu’il soit, ce procédé exprimant le lien pervers entre les souvenirs et l’inspiration artistique finit par convaincre grâce à l’inspiration opératique avec laquelle il est utilisé. Ces séquences offrent à l’oeuvre la part de mystère et d’inattendu sans laquelle l’émotion serait impossible. Enfin, un mot sur Vincent Gallo qui, comme Mickey Rourke dans Rusty James, illumine le film de son charisme même s’il est souvent dans la pose.

Bref, en dépit de la lourdeur des intentions arty qui cloisonnent le film dans une esthétique fausse et clinquante, quelque chose du coeur de son auteur s’est immiscé, quelque chose qui fait que Tetro n’est pas complètement inintéressant.