Trois jours et une vie (Nicolas Boukhrief, 2019)

Dans un village des Ardennes, en 1999, une battue est organisée pour retrouver un enfant de six ans. La tempête met fin à ces recherches mais l’affaire resurgit quinze ans plus tard parce que des travaux ont lieu dans la forêt.

Un film noir à la Française dans la lignée de Panique, Non coupable ou Le boucher. Adapté de Pierre Lemaître, le récit, qui juxtapose plusieurs temporalités, est particulièrement prenant. La caméra de Nicolas Boukhrief, toujours très dynamique et fluide, parvient à donner une grande présence à la communauté villageoise et à l’inquiétante forêt mais aussi à insuffler une profondeur aux personnages avec des trouvailles purement visuelles. Malgré quelques fausses notes de Charles Berling, les acteurs, surtout l’enfant Jérémy Senez et l’immigré Arben Bajraktaraj qui sont fascinants et étranges chacun à leur manière, sont impeccables.

La limite d’un tel film est que la machine narrative s’en avère à la fois le prétexte et la finalité, aux contraires des chefs d’oeuvre de Clouzot ou Chabrol qui véhiculaient, puissamment, une vision du monde. Pour boucler et relancer cette machine, la vérité psychologique est quelques fois sacrifiée, surtout dans la dernière partie avec les interventions invraisemblables du docteur joué par Philippe Torreton. Nonbobstant, Nicolas Boukhrief ranime ici, avec une maîtrise qui fait de lui un des meilleurs metteurs en scène actuels, une attachante tradition du cinéma français.

Un ciel radieux (Nicolas Boukhrief, 2017)

Après un accident de voiture du à la pression professionnelle, un père de famille se réincarne dans la peau du jeune motard qu’il a percuté.

Nicolas Boukhrief s’est très bien tiré de l’adaptation du manga à dormir debout de Taniguchi. Le montage lui permet de juxtaposer les deux vies et de les assimiler à deux niveaux de conscience sans la lourdeur verbale de la bande dessinée (la voix-off est heureusement très peu présente). La souplesse de son découpage fluidifie le récit alambiqué. Peut-être eût-il pu se passer de faire figurer les deux personnages en même temps dans quelques scènes qui, de ce fait, gardent un parfum d’incongru…

Moins redondant dans sa narration, le cinéaste français se montre plus rentre-dedans -mais aussi plus simpliste- que le dessinateur japonais dans son traitement du conflit entre le salarié décédé et son employeur. Les parcs dans leurs couleurs automnales et les plages du nord de la France fournissent un écrin apaisant à la tragédie fantastique. Toutefois, l’épure des cadres et la fréquente distance de la caméra par rapport aux acteurs n’empêchent pas l’émotion d’affluer progressivement jusqu’à un dernier plan de l’ordre du génie pur. Conjuguant grandeur, élégance et tendresse pour évoquer une puissance spirituelle, Boukhrief se montre alors encore plus fort que Jacques Tourneur dans la séquence de résurrection de Stars in my crown.

La confession (Nicolas Boukhrief, 2017)

Sous l’Occupation dans un village français, une postière communiste provoque le nouveau prêtre, jeune et séduisant.

En adaptant Léon Morin prêtre, le roman de Béatrix Beck, Nicolas Boukhrief confirme que son talent ne se limite à la confection de polars. Son tact, matérialisé notamment par son sens de l’allusion et par la finesse dialectique du montage, est immense et confère une grande justesse à sa représentation des Françaises soumises à l’Occupation allemande.

Les dialogues entre le prêtre et la communiste sont toujours aussi forts mais  je ne me souviens pas que l’arrière-plan avait une telle présence dans le film de Jean-Pierre Melville. Cela rend la conversion de l’héroïne encore plus complexe et intéressante car la corrèle à son combat résistant. En effet, c’est une excellente idée que sa crise mystique soit provoquée par une messe en hommage à des otages fusillés. A ce moment, la communauté nationale se fond complètement dans l’église (dans les rues du village, il n’y a plus que les soldats allemands) et son bouleversement intime est causé autant par la liturgie catholique et le charisme du prêtre que par le drame collectif. Quant aux interprètes, la barbe va bien à Romain Duris et Marine Vacth est une révélation.

On pourra regretter l’inutilité et la fausseté de la structure en flash-backs (puisque le point de vue des séquences dans le passé n’est pas toujours celui de l’héroïne) et noter une baisse de rythme vers le milieu du film mais il n’en reste pas moins que la condescendance des critiques est déplacée: la beauté un brin affectée de la photographie n’empêche pas que la mise en scène de Boukhrief, axée autour d’une caméra très souple et évitant le champ-contrechamp malgré l’importance du dialogue, soit infiniment plus vibrante et attentive que celle de James Gray dans son dernier film, aussi encensé qu’amidonné.

Made in France (Nicolas Boukhrief, 2016)

Un groupe d’islamistes prépare un attentat à Paris…

Tourné avant les attentats de janvier 2015, le dernier film de Nicolas Boukhrief a été victime de ses qualités prémonitoires et a vu sa sortie en salles plusieurs fois annulée avant d’être proposé en vidéo à la demande. C’est d’autant plus regrettable que ses modestes ambitions n’auraient pas dû appeler une telle médiatisation: au contraire d’un Philippe Faucon, l’auteur du Convoyeur ne délivre pas une thèse sur la radicalisation mais exploite l’actualité la plus brûlante pour revitaliser des archétypes du polar qui lui sont familiers; en premier lieu, la figure de l’infiltré.

De par la modicité de son budget, ses raccourcis narratifs et la convention de plusieurs situations, Made in France s’apparente à la série B. Mais dans ce cadre restreint, c’est une réussite. D’un bout à l’autre de son film, le cinéaste maintient la tension grâce à ses qualités formelles. Il y a d’abord un certain génie de l’ellipse, une confiance accordée à l’intelligence du spectateur qui permet au conteur de garder un temps d’avance, un sens de l’épure qui rejette totalement le superflu. Cette réduction du contexte, notamment le réseau islamiste, à une abstraction pourrait être préjudiciable à la justesse du drame si elle ne s’avérait justifiée par un dénouement aussi malin que révélateur de la modestie de Boukhrief. Ensuite, la fluidité du découpage -lenteur des mouvements de caméra et maîtrise du Cinémascope à la John Carpenter- et les rythmes syncopés de Rob immergent le spectateur dans la spirale infernale des protagonistes.

Ces protagonistes, l’auteur les voit comme de dangereux pieds-nickelés, vision depuis tristement corroborée par la réalité. Ainsi, en montrant des paumés qui sont humiliés par les caïds du quartier, qui glandent devant le foot, qui ont du mal à se séparer de leur poster de Scarface ou qui dissertent de la bonne conformité des pratiques sexuelles alors qu’ils « ne sont même pas maqués », Boukhrief réussit l’exercice extrêmement périlleux de redonner leur humanité aux terroristes (et par là même réussit en tant que dramaturge à proposer une identification au spectateur) sans pour autant faire preuve de la moindre complaisance à leur égard. Morale classique d’un cinéaste à la Anthony Mann ou à la Samuel Fuller qui traite modestement mais franchement son sujet. Il retrouve aussi ce qui faisait la secrète noblesse du Convoyeur, à savoir l’expression, à travers un pur film de genre, du vide existentiel désespérant d’un certain lumpenprolétariat banlieusard.

Gardiens de l’ordre (Nicolas Boukhrief, 2010)

En marge de leur hiérarchie, deux jeunes flics accusés de bavure infiltrent un réseau de trafic de drogue pour prouver leur innocence.

Nicolas Boukhrief est de loin le plus intéressant des réalisateurs contemporains de polar. Certes, tourner de meilleurs films que ceux d’Olivier Marchal ne fait pas automatiquement de vous un génie du cinéma mais l’ancien rédacteur de Starfix a au moins un chef d’oeuvre à son actif: Le convoyeur qui en 1h30 se montrait plus percutant dans sa représentation de la déliquescence des rapports sociaux en banlieue que l’intégrale de Bertrand Tavernier.

Ce Gardiens de l’ordre est un niveau en dessous du coup de maître de son réalisateur. Sa principale limite est que c’est une oeuvre de pure convention. On n’y retrouve pas les vertus de cristallisation sociale du Convoyeur. Le ton naturaliste du début laisse rapidement la place à un exercice de style dans lequel l’auteur se soucie peu de nuance, de réalisme voire de crédibilité. La vision ultra-pessimiste des rapports entre politique et police est trop caricaturale pour chercher à convaincre. Ce n’est qu’une facilité narrative. Les méchants sont des clichés sur pattes tout droit sortis d’Hollywood Night. A force de rechercher le spectaculaire, la fin verse dans le grand-guignol. D’une manière générale, le film semble manquer de finitions. Les détails du scénario notamment auraient peut-être gagnés à être plus travaillés. Les coutures sont parfois apparentes.

Pourtant, Gardiens de l’ordre reste un polar tout ce qu’il y a de plus prenant. C’est grâce au talent de Boukhrief pour la mise en scène. On retrouve cette ambiance oppressante tissée grâce à un travail unique sur les textures sonores. On retrouve les ruptures de ton savamment ménagées qui font instantanément basculer le récit tout en insufflant une ampleur tragique aux séquences. On retrouve l’efficacité dans la caractérisation des personnages. Quelques notations suffisent à l’auteur. Il ne s’appesantit jamais. L’histoire d’amour en creux de cette descente aux enfers est d’ailleurs ce qu’il y a de plus beau dans le film.

Bref, après l’intéressant mais anémié Cortex, Gardiens de l’ordre, s’il ne témoigne d’aucun renouvellement d’inspiration, nous permet de retrouver un des meilleurs stylistes du cinéma français en pleine possession de ses moyens.