Bandits à Orgosolo (Vittorio de Seta , 1961)

En Sardaigne, un berger injustement impliqué dans un vol s’enfuit avec son frère et ses moutons dans les montagnes…

L’oeil documentaire de Vittorio de Seta restitue bien l’âpre beauté de la Sardaigne profonde et n’empêche pas l’instauration via le montage d’une certaine tension dramatique qui, couplée à l’enracinement d’une intrigue quasi-mythologique, contribue à auréoler ce film néo-réaliste d’une belle dimension westernienne. Les différents gestes menant tragiquement le berger au banditisme sont restitués avec justesse mais son itinéraire singulier est assez décorrélé des dures conditions de vie des autres éleveurs sardes: le contexte de crise économique évoqué reste flou. Cela limite la portée d’une oeuvre qui n’en demeure pas moins joliment réussie.

Un homme marche dans la ville (Marcel Pagliero, 1949)

Au Havre, un docker subit les avances de l’épouse d’un collègue mis au placard par le directeur.

Cette tentative de néo-réalisme à la Française, mise en scène par un scénariste de Rossellini, est honorable quoique velléitaire. En effet, le décor du Havre, alors en cours de reconstruction, n’est pas aussi présent que Berlin dans Allemagne année zéro ou Rome dans Rome, ville ouverte. Ce qui compte avant tout, c’est l’intrigue passionnelle, charpentée comme une pièce de théâtre. Cette impression d’artifice théâtral est accentuée par la surabondance des dialogues, l’importance du café dans le déroulement du récit et le jeu d’acteurs frisant parfois la caricature (Robert Dalban). La dramaturgie s’articule autour d’un personnage de garce, bien interprétée par Ginette Leclerc et emblématique de la misogynie du cinéma français d’alors. Heureusement, la fin, belle et sourdement audacieuse dans son amoralité, justifie quelque peu la conduite caricaturale de son personnage. Par ailleurs, il y a quelques plans, tel la remontée du cadavre, qui impressionnent sans affectation.

Le disque rouge (Pietro Germi, 1956)

Une année de la vie d’un cheminot italien tracassé par son travail et ses enfants.

L’artifice d’une narration en flashbacks et d’un découpage qui fragmente lourdement chaque scène ruine la continuité dramatique et réduit ce tardif rejeton du néo-réalisme à une succession hachée de séquences dont la qualité recherchée semble être la banalité. Certaines de ces séquences sont moins ennuyeuses que d’autres; la meilleure est la bagarre familiale car c’est la seule à introduire un peu de complexité humaine à un récit aussi plombant que programmatique. Le fait que cela soit raconté du point de vue de l’enfant, particulièrement tête à claques, ajoute le sentimentalisme larmoyant à la morosité. Voir les sempiternels gros plans sur son visage mono-expressif faisant office de contre-champ dans les scènes où sa soeur a le malheur de batifoler (le sexe étant dans Il ferroviere invariablement sordide).

L’honorable Angelina (Luigi Zampa, 1947)

Dans un quartier pauvre, une mère de famille prend la tête d’une contestation générale.

Se figurer une fable de Capra à la sauce néo-réaliste donne un aperçu assez juste de L’onorevole Angelina. L’énergie de Anna Magnani propulse le film et parvient à faire oublier le caractère poussif d’une ou deux articulations du scénario. Un humour bienvenu n’empêche pas la noirceur de rester tangible via la boue, l’obscurité de la photo et le récit, plus retors qu’il n’y paraît. Le dernier plan-séquence exprime admirablement -c’est à dire d’une façon visuelle, concise et équivoque- la force de la fatalité sociale. Certains historiens ont beau avoir classé L’onorevole Angelina dans le néo-réalisme rose, le désenchantement de Zampa y est déjà prégnant.

Treno populare (Raffaello Matarazzo, 1933)

La journée à la campagne d’un groupe d’Italiens qui part en train.

Le premier film de Raffaello Matarazzo s’inscrit dans ce mini-courant du jeune cinéma européen circa 1930 où des prolos étaient suivis pendant une journée de villégiature: Les hommes le dimanche et Nogent eldorado du dimanche avaient ouvert la voie empruntée par le cinéaste italien. On peut discutailler de qui a été le plus précurseur de tous les précurseurs du néo-réalisme mais l’essentiel est que la fraîcheur de Treno populare soit aujourd’hui inaltérée. Ce, grâce au tournage en décors naturels bien sûr, mais aussi et surtout à l’aisance avec laquelle le narrateur manie les ruptures de ton et la multiplicité des points de vue. Sous les dehors d’une comédie de caractères plaisante et gentillette, Matarazzo sait faire pointer un lyrisme discret (qui, lui, annonce clairement Une partie de campagne), lyrisme renforcé par la musique de Nino Rota dont ce fut la première partition destinée au cinéma. Un regret cependant: des approximations du découpage franchement gênantes qui, amoindrissant la clarté et la précision de la mise en scène, nuisent à l’intensité dramatique.

Dimanche d’août (Luciano Emmer, 1950)

Un dimanche d’août, des Romains divers et variés vont à la plage.

Ce film néo-réaliste réalisé par un documentariste est dénué des oripeaux sociaux-politico-démago qui encombrent tant de films de ce courant. Reste un panorama honnête et historiquement intéressant de certaine couche populaire de l’Italie d’après-guerre. Les scénaristes ont dans l’ensemble entremêlé leurs nombreuses intrigues avec virtuosité mais ils auraient pu nous épargner l’anecdote policière qui arrive comme un cheveu sur l’eau d’un verre qui ne manque pas de fraîcheur. Chronique superficielle mais attachante, Dimanche d’août s’inscrit dans la lignée du Solitude de Fejos.

Europe 51 (Roberto Rossellini, 1951)

Après un drame personnel, une bourgeoise prend conscience de la misère de ses contemporains.

Comme son titre l’indique, Europe 51 est un film extrêmement ambitieux puisque Roberto Rossellini entend dresser le panorama, guère reluisant, de la société occidentale de son temps. Dans le même temps, c’est un film d’une grande humilité quant à la simplicité des moyens employés. Inspiré par Simone Weil, le cinéaste retrace l’itinéraire d’une femme de la bourgeoisie vers une sorte de sainteté au fur et à mesure qu’elle prend conscience des injustices du monde qui l’entoure. Il le fait à travers des péripéties dont l’éventuel schématisme didactique n’est guère gênant tant la pureté avec laquelle elles sont filmées désarme le spectateur. Plusieurs scènes sont absolument sublimes telle celle où Ingrid Bergman dépose un baiser sur le front d’un enfant des bidonvilles. Le génie de Rossellini est d’incarner l’épanouissement de ces vertus apostoliques dans un personnage qui a été au préalable intimement bouleversé. Les larmes et les sourires de la magnifique Ingrid Bergman sont alors l’expression même de son cheminement intérieur. La synthèse entre l’intimisme de la représentation et l’immensité cosmique du propos est totale.  Si la critique du milieu bourgeois qui entoure l’héroïne ne fait aucun doute (il y a même de légers accents satiriques), la légitime incompréhension des siens est montrée sans la moindre caricature. Rossellini se place à une hauteur dialectique digne de Leo McCarey dans Ce bon vieux Sam. Très grand film.